Revisión
2022
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Decir que mis expectativas para Giselle de Akram Khan en el icónico Liceu de Barcelona eran altas sería quedarse corto. Desde su estreno mundial en Manchester en 2016, la reinvención completa de este adorado ballet clásico por parte de Khan ha obtenido una atención internacional excepcional. Hace varios años, cuando vivía en Londres, tratar de conseguir entradas para la carrera de "Giselle" en Sadler's Wells era como un Battle Royale, pero ahora, en mi ciudad natal, tengo la oportunidad de asistir finalmente a una producción que tanto deseaba. ver durante tanto tiempo.
“Giselle” es un classico del ballet que se representa en todo el mundo. Reinventar un ballet clásico tan conocido y querido no es una tarea fácil, podría convertirse en un esfuerzo creativo donde uno podría fallar fácilmente. Para volver a imaginar un ballet como este se necesita compromiso, fe y visión. Después de tres años como bailarina principal y directora del English National Ballet, la bailarina española Tamara Rojo le encargó a Khan que creara esta nueva versión de “Giselle”. Al tratar de reimaginar el ballet clásico, el objetivo de Rojo era desempolvar el elitismo sofocante del ballet, o esta percepción que tiene este gran arte, y hacerlo más accesible. En lugar de simplemente reconstruir un ballet como “Giselle”, lo que Rojo y Khan han hecho es atreverse a deshacerse por completo de casi todo lo relacionado con la antigua “Giselle”, manteniendo solo los contornos más pequeños de la trama original.
Khan presenta un escenario contemporáneo de trabajadores migrantes en una fábrica algo espeluznante. Hay una nueva partitura y un impresionante escenario y vestuario del diseñador de vestuario ganador del Oscar Tim Yip y el poderoso diseño de luces de Mark Henderon te lleva al corazón de la pieza. Además, es la coreografía de Khan que combina tan bellamente la tradición y la habilidad del ballet y el kathak lo que es verdaderamente cautivador.
Cuando “Giselle” se representó por primera vez en el Ballet du Théâtre de l'Académie Royale de Musique en la Salle Le Peletier de París en 1841, fue una sensación instantánea y conserva su título como uno de los ballets clásicos más populares. En el Acto 1, la escena se desarrolla con los trabajadores presionando contra una pared enorme e imponente que está cubierta con huellas de manos sucias. El muro, una gigantesca división física de clases, separa a los trabajadores que ahora se ven reducidos a simplemente entretener a los ricos terratenientes. Giselle, Rojo, un trabajador migrante se enamora del duque Albrecht, Isaac Hernández, quien astutamente se ha disfrazado de trabajador migrante. Hilarión, Jeffrey Cirio, que todavía trabaja para los terratenientes, descubre el complot de Albrecht y pretende separarlo de Giselle. Cuando la seducción de Albrecht se ve interrumpida por la llegada de los terratenientes, intenta esconderse al ver a su prometida. La llegada de los terratenientes es extremadamente poderosa y se presenta con un fuerte sonido de sirena, seguido por el giro de la pared de una manera que revela completamente a los terratenientes. Sus trajes contrastan con los que usan los trabajadores, están llenos de grandiosidad y colores vibrantes. Por desgracia, sin que Giselle lo sepa, Albrecht ya está comprometido con una mujer de su propia clase, al descubrir que Albrecht la deja en la que Giselle se vuelve loca y muere.
La muerte de Giselle al final del Acto 1 es inolvidable y desgarradoramente poderosa. A medida que los bailarines rodean a una Giselle moribunda, crean una forma de varios niveles que imita el aspecto de un corazón que late. Uno no puede evitar, en este momento, sentirse completamente inmerso en esta producción, casi como si hubieran roto la Cuarta Pared y nosotros, la audiencia, estamos invitados a llorar esta muerte.
El Acto 2 tiene lugar en el Reino de las Willis, dirigido por su Reina Myrtha, Stina Quagebeur, que es quizás el aspecto más completamente reinventado de la producción de Khan. Las Wilis, o danseurs de nuit, están inspiradas en De l'Allemagne del poeta Heinrich Heine. Por la noche estos fantasmas surgen de sus tumbas y atacan a cualquier hombre que se atreva a cruzarse en su camino. Ellas, como Giselle, son mujeres desconsoladas que intentan vengarse y le informan a Giselle que debe matar a Albrecht, aunque todavía lo ama, pero no puede. Y aunque herida y desconsolada, ella lo perdona, lo libera para que se case y cuando amanece regresa a su tumba. Hay un peligro violento para Myrtha de Quagebeur, pero apasionado y femenino. En lugar de las mujeres delicadas que suelen estar en ballet blanc aquí, son autoritarias, unidas y fuertes.
Las Wilis, aunque son espíritus malvados y amargados, también son mujeres jóvenes que murieron antes del día de su boda, pero incluso en esta presencia de "espíritu de otro mundo", Khan y Yip han podido restablecer parte de su antigua humanidad. Como gran parte de esta producción, también están muy alejados del tradicional Ballet Blanc. En puntos del Acto 2, las Willis ocasionalmente gritan de maneras muy específicas mientras realizan el ritual de llevar a Giselle del mundo muerto al lugar mágico en el medio. El uso de la precaución le da mayor profundidad al ritual poniéndolos brillantemente en sincronía con la orquesta.
2016 fue un momento desafiante con la retórica social y política sobre los muros y los trabajadores migrantes que causan cada vez más divisiones. Al contraponer a “Giselle” de esta manera, Khan obliga a su audiencia a ser más consciente y reflexionar sobre los tiempos en los que vivimos. Hay algo singularmente metateatro en esta producción que logra incluir discretamente a su audiencia en la actuación. El deseo de Rojo de hacer accesible el ballet no significa, al menos en este instante, simplemente adaptar o reelaborar el ballet clásico. Al incluir temas como los trabajadores migrantes, la explotación y el abuso, están conectando a su audiencia con conversaciones sociales más amplias. La pared, que a veces se retuerce en el aire, es en sí misma una declaración, una declaración simple y eficaz que tiene un papel imborrable en este ballet. Cuando "Giselle" llega a su fin, vemos a Albrecht, ahora completamente solo, siendo empujado por la pared. Por lo general, el ballet termina con un gran final con todos en el escenario y, sin embargo, Khan nos deja con este poderoso retrato de Albrecht, solo con su ansiedad y desesperación, empujado contra una pared, una pared que debería estar al otro lado de pero ahora ha sido colocado en una especie de limbo por los Willis. Al final de la actuación, Albrecht, ahora empujado más cerca de la audiencia, se ha convertido en un paria en su propia comunidad.
Akram Khan's “Giselle” ha abierto este clásico a nuevas audiencias al tocar temas bastante actuales. El ballet conserva la esencia de la historia clásica pero se introduce en un universo más oscuro y mucho más identificable. La música de Vincenzo Lamagna, basada en la partitura original de Adolphe Adam, también marca la pauta. El uso de sonidos de fábrica creados por la orquesta y sonidos de máquinas de coser anticuados ayuda a crear una agonía que va de la mano con la coreografía y el diseño del escenario de Yip, que funciona increíblemente bien con cada movimiento. La iluminación es oscura, pero no tanto como para que uno se pierda algo en el escenario. Esta iluminación oscura juega un papel increíble más adelante cuando se introduce el brillo, el color y la belleza del otro lado de la pared, agregando una nueva profundidad por la forma en que los trajes de los terratenientes brillan mágicamente en esta luz.
Esta fue una de las últimas salidas de Tamara Rojo como “Gisele” antes de dejar la ENB para convertirse en directora del Ballet de San Francisco. Estuve en la última actuación de Rojo en el Royal Ballet en 2013, antes de que ella tomara el timón en la ENB. Ver a Rojo recibir una ovación de pie de 30 minutos al final de esta actuación final fue una experiencia casi fuera del cuerpo, incluso pensar en el ahora todavía es algo emotivo. Este fue un momento inolvidable al ver el amor y el aprecio que esta audiencia tenía por una bailarina tan consumada y hábil. Para ella, dejar el Royal Ballet y llegar al English National Ballet podría haber sido un riesgo, pero ¿cuántas oportunidades se pueden ofrecer para trabajar con Khan y crear esta obra maestra moderna? Confieso que no sabía que Rojo iba a actuar en el Liceu con “Giselle”, y vaya sorpresa. Estar sentado en el esplendor del Liceu para presenciar una de las primeras bailarinas más notables de España fue una alegría, y como con todas las grandes actuaciones, me fui sintiendo una sensación de asombro y admiración.
El poder y la fuerza de "Giselle" de Khan no es solo su atrevida reinvención, sino el espacio creativo que se creó. Rojo se arriesgó, quizás uno de los mayores riesgos que puede asumir un director creativo, y valió la pena espectacularmente. Los trabajos de este calibre no ocurren simplemente porque un director creativo tiene una idea para desafiar la comprensión del público más amplio de lo que es el ballet y lo que puede ser. ¿El ballet tiene que ser estático? ¿Debe hacerse siempre en su estilo tradicional sin muchos cambios? ¿Y cuánto cambio puedes hacer antes de ir demasiado lejos? Rojo quizás esté mejor posicionado que la mayoría para hacer estas preguntas y estar dispuesto a correr estos riesgos. Otras instituciones, como Shakespeare Globe, querían lo que Rojo estaba haciendo en el ENB, pero no le dieron a su directora creativa, Emma Rice, la libertad que necesitaba para asumir riesgos y generar cambios. Aunque las temporadas de Rice fueron un gran éxito, el Globe prefirió apegarse a la tradición y, como tal, perdieron a un pionero creativo. Al querer volver a trabajar en una de las consideradas obras maestras del ballet, Rojo, Khan y ENO han establecido un alto nivel creativo que otras instituciones deberían seguir. Nada es sagrado o intocable y la tradición es, en estos tiempos modernos, un mito perpetuado por guardianes de instituciones que no quieren cambios y prefieren tener casas vacías que nuevas audiencias frescas. “Giselle” es lo que es posible cuando todos están dispuestos a trabajar para hacer realidad sus visiones y apoyar creativamente el principio central de crear tradiciones nuevas y más fluidas.